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HISTOIRE DE LA MUSIQUE CONTEMPORAINE

 

L'histoire de la Musique Contemporaine commence au moment de la Deuxième Guerre Mondiale, dans un environnement de destruction - reconstruction.

Toute l'Europe est à reconstruire et ce n'est pas une surprise de constater que la Musique contemporaine…

  • éclot à la fois en France, Belgique, Allemagne et Italie, les pays qui ont connu les atrocités de l'intérieur,
  • doit se démarquer très tôt d'un environnement ultra-conservateur (rappelez-vous, la mode a été symbolisée, peu de temps après la Guerre, par la question «Aimez-vous Brahms»? et, peu de temps avant la Guerre, par la rupture avec la tradition, voulue par la génération des jeunes compositeurs, dont Messiaen et Jolivet, sous le label «Jeune France»),
  • reconnaît ses parents et parrains avant la période précédente du néoclassicisme et des folies frivoles du Bœuf sur le Toit : le dernier Richard Wagner (1813-1883) pour Tristan et Parsifal, dans le chromatisme le plus hardi, Claude Debussy (1862-1918) pour la richesse colorée des timbres et sa conception neuve du temps et de l'espace, Belà Bartók (1881-1945) pour sa approche nouvelle des masses orchestrales, le premier Igor Stravinsky (le "Sacre du Printemps" : 1913) pour sa percussion et la généralisation des pulsions contrôlées, le second Arnold Schoenberg (du "Pierrot Lunaire" : 1914, du dodécaphonisme : 1924) et ses acolytes Anton Webern et Alban Berg, et surtout le trublion avant-gardiste Edgard Varèse (le son, et non plus la note, comme fondement de la musique) et l'autodidacte expérimentateur-tous-azimuts Charles Ives (collage, désorganisation des structures, spatialisation, passés inaperçus jusqu'aux années 40).

En pratique, le point de départ de la Musique Contemporaine correspond pour certains à la page tournée après les dernières compositions de Bartók et de Schoenberg (souvent inachevées), pour d'autres au premier Boulez et à la Musique sérielle.

En fait, avec le recul du temps, et la prolifération de la diversité dans la Musique d'aujourd'hui -et tous les arts en général-, le véritable point de départ semble bien la deuxième guerre mondiale, avec sa déstructuration (notamment dans les camps et dans les villes Européennes dévastées) et l'élan de reconstruction sur des bases nouvelles ("tabula rasa", dixit Stockhausen) qui a suivi l'instauration de la paix, soit entre 1941 et 1945.

Toutes les musiques contemporaines sont acceptées ici, depuis la Musique Sérielle ou Concrète jusqu'au Post-modernisme (qui, en fait, est une réaction conservatrice!), en passant par l'Électroacoustique, la Musique Répétitive (ou Minimaliste), la Musique Aléatoire (l'œuvre ouverte), la Musique Spectrale, les Quarts ou les Tiers de tons, les Collages, la Musique Néotonale, la Tradition, la Nouvelle Simplicité et son contraire la Nouvelle Complexité -les courants ne manquent pas-, soit vraiment toutes les musiques pourvu qu'elles soient écrites, c'est à dire pensées, et pas complètement improvisées (comme le Free Jazz).

VOICI LES DATES MARQUANTES DES PRÉMICES :

1893 "Vexations" d'Érik Satie (1866-1925), prémices de la Musique Répétitive : un thème géométrique et 2 variations, d'une durée d'un peu plus d'1mn30 qu'il faut jouer 840 fois (soit une durée totale de 24 heures), jamais jouées de son vivant, mais célébrées par John Cage dans les années 60, lors de concerts marathons
1906 Symphonie de Chambre opus 9, de Schoenberg (1874-1951) : la première œuvre fondée sur des séries de quartes ascendantes qui marque l'affaiblissement tonal
Thaddeus Cahill (1867-1934) invente le premier instrument électronique, baptisé Telharmonium
1907 "Clairs de Lune" d'Abel Decaux (1869-1943), un compositeur organiste Français quasiment oublié, développe l'atonalité dans ses pièces pour piano (visionnaires et «non-Debussystes», comme sa "Mer", composées entre 1900 et 1907)
1908 Début de la Révolution de la Seconde École de Vienne : les premières œuvres de Berg et Webern et le virage de Schoenberg (abandon de la tonalité, abandon des thèmes de la Musique Classique, et par là, du développement et du «da capo», nouvelle distribution des timbres, emploi de petites formes sans articulations, les fondements de la musique d'après 1945 avec la série)
"Quatuor n°2" de Schoenberg : première oeuvre officiellement atonale (suivie en 1909, des "Trois Pièces" pour piano, totalement atonales)
1909 "Prométhée" de Scriabine (1872-1915) : extension de l'opéra à l'œuvre d'art total (Gesamtkunstwerk), dépassant la rhétorique de Wagner (ou de Rameau, avec la danse) ; ici, et encore plus dans "Mystère" (1911), inachevé, des jeux de lumières sont ajoutés, ainsi que des sensations olfactives, tactiles, et la participation du public
1910 "Adagio de la 10ème Symphonie" (inachevée) de Gustav Mahler (1860-1911) :  généralisation de la polytonalité, à côté des petites cellules rythmiques indépendantes qui marquent déjà la 9ème Symphonie
1912 "Pierrot lunaire" de Schoenberg : première du «Sprechgesang» (parlé-chanté) qui fera bien des émules dans la Musique Contemporaine, créé le 16 Octobre à Berlin
"The Tides of Manaunaun", "Advertisement" et "Tiger" de Henry Cowell (1897-1965) : les premiers clusters au piano (avec le poing, la paume ou l'avant-bras)
1913 "Jeux" de Claude Debussy (1862-1917) : une œuvre prophétique par son orchestration éparpillée, fragmentée, par son asymétrie, par sa couleur grise, par sa déstructuration envers tout plan pré-établi
"Altenberg Lieder" opus 4 d'Alban Berg (1885-1935) : lieder pour orchestre… un tel scandale que la police est obligée d'intervenir !
"Le Sacre du Printemps" d'Igor Stravinsky (1882-1971) : nouvelle conception du rythme et de la répétition (notamment émergence de l'unité rythmique inégale) dans la musique (et re-scandale)
1914 "Risveglio di una città" (Réveil d'une ville), "Si pranza sulla terrazza del Kursaal" (On déjeune sur la terrasse du Kursaal) et "Convegno di automobili e aereoplani" (Congrès d'automobiles et d'avions) de Luigi Russolo (1885-1947) : le premier Grand Concert futuriste avec «intonarumori», des générateurs de son-bruit, sans instrument de musique 
"Three Places in New England" de Charles Ives (1874-1954) : première citation («collage»)
"Le Bain de Mer", pièce issue de "Sports et Divertissements", prémices de la partition graphique (vagues de la mer)
1916 Quatrième Symphonie de Charles Ives : polyphonie inextricable et orchestration démesurée
1917 "Parade" d'Érik Satie : première introduction de bruits ambiants dans une partition musicale (roue de loterie foraine, coup de revolver, frappe à la machine à écrire et un «bouteillophone»)
1919 "Concord Sonata" (sonate pour piano) de Charles Ives : publiée à compte d'auteur, faute d'éditeur intéressé (1939 : John Kirkpatrick la crée en concert à New-York), la Sonate est un vrai kaléidoscope musical et contient de nombreuses citations délibérées (collages)
"Pulcinella", ballet de Stravinsky (1882-1971) sur des thèmes de Pergolèse, une des premières oeuvres importantes du néoclassicisme, avec la Symphonie Classique de Prokofiev (1890-1953) : marquée par le retour en arrière et par une recherche d'équilibre, de sobriété et de clarté, ce style n'est pas sans rappeler la future démarche conservatrice de la Nouvelle Simplicité ou de l'école répétitive contemporaine
1920 "Quatuor à corde n°2" : Haba découvre les premiers micro-intervalles de la musique occidentale
Radiodiffusion : première émission de radio, à Pittsburg (USA)
1921 "Amériques" d'Edgard Varèse (1883-1965) : une révolution (sirènes et autres bruits d'usine, intégrés à l'orchestration) passée inaperçue, mais assimilée dès la fin des années 30 par les compositeurs Français
Léon Thérémin fait une première démonstration au Kremlin, devant Lénine, du Theremin («Antenne Chantante»), l'un des premiers instruments électroniques, générateur de son, que Lev Sergeyevich Termen (1896-1993), étudiant physicien moscovite, a construit sur ses plans
1922 "Wozzek" opus 7 d'Alban Berg : le premier opéra depuis le leitmotiv wagnérien où le traitement des voix est novateur (si l'on excepte le cas isolé de "Pelléas et Mélisande" de Debussy)
1923 Pièces pour piano opus 23, de Schoenberg : la première œuvre dodécaphonique (première série de 12 sons dans la "Valse"), en même temps que la Suite opus 25 suivies par les Variations opus 31 pour orchestre (1928) et l'opéra inachevé Moïse et Aaron (1932)
"The Aeolian Harp" et "The Banshee" (1925, 3 minutes) de Henry Cowell (1897-1965) : le «piano à cordes», où les cordes sont pincées ou tirées à l'intérieur du piano (anticipant le piano préparé de Cage)
1924 "Quarter-tone pieces" : Charles Ives compose en quarts de ton (1874-1954… en fait il a définitivement arrêté de composer avant 1930) 
1926 Le Sphärophon de Jörg Mager (Berlin), premier des oscillateurs électroniques (avec 2 lampes triodes)
"Fonderie d'acier" (Eissengiesserei) d'Alexander Mossolov, prélude (symphonique) à la musique répétitive et mécanique
1927 Oskar Schlemmer utilise des sons, enregistrés sur disques de cire, pour ses créations de théâtre expérimental du Bauhaus et son concept d'œuvre totale
1928 Symphonie opus 21 d'Anton Webern : summum du dodécaphonisme pur et passeport pour le sérialisme Boulézien, en seulement 9 minutes de musique (en comptant les silences)
Conception des Ondes par Maurice Martenot (Paris, 1898-1980) et du Trautonium par Friedrich Trautwein (Berlin, 1888-1956), nouvel instrumentarium (Arthur Honegger compose pour Ondes Martenot et Paul Hindemith pour le Trautonium)
1929 «Studiengesellschaft für elektroakustische Musik», toute première association de recherche dédiée à la musique électronique est créée à Darmstadt en Allemagne, suite au Sphärophon de Jörg Mager
1930 Harry Partch construit son premier alto modifié («chordophone») dans sa démarche de micro-intervalles divisant l'octave en 43ème de ton (1 divisé par 43!)
1931 "Ionisation" d'Edgard Varèse (1883-1965) : première œuvre occidentale pour percussion seulement, écrite pour 37 instruments, dont : une sirène, une enclume, et un tambour à corde pour simuler le rugissement du lion
1933 "Ecuatorial" d'Edgard Varèse : première œuvre à intégrer des sons produits par des appareils électroniques (2 Theremins)
1935 "Lulu" d'Alban Berg (inachevé et utilisant la série de façon prémonitoirement libre, ou si l'on préfère, dévoyée par la transposition) : la particelle du dernier acte sera orchestrée par le compositeur Autrichien Friedrich Cerha, pour une création en 1979
"Mana" de Jolivet (1905-1974) : première composition fondée sur les rythmes irrationnels
Quatuor à cordes "Mosaïque" de Henry Cowell : une œuvre ouverte, avant John Cage
1936 "Densité 21.5" d'Edgard Varèse : le bruit des clés de la flûte seule est exploité musicalement pour la première fois pour un instrument
1937 Commercialisation du Magnetophon K1 par l'Allgemeine Elektrizitäts Gesellschaft (AEG), premier magnétophone avec enregistrement magnétique sur bande
1938 "Bacchanale", première utilisation (non publiée, année controversée) du piano préparé par John Cage (1912-1992), en création privée le 28 Avril 1940, à la Cornish School de Seattle (USA) sur une chorégraphie de Syvilla Fort
1939 "Imaginary landscape 1" de John Cage : avec plusieurs tourne-disques et haut-parleurs, cette œuvre est considérée comme la première utilisation musicale de sons fixés sur un support
1942 "Ludus Tonalis" de Paul Hindemith (1895-1963) : dernière œuvre terminée, comme un "Clavier bien tempéré" moderne, tonal, mais dont la tonalité est déréglée par l'écart entre les vibrations des harmoniques de la partition et la tonalité normale de l'instrument
1946 Trio à cordes opus 45 de Schoenberg, ultime œuvre, dans laquelle, en refermant la boucle, les 12 sons dodécaphoniques renouent avec la tonalité !

 

VOICI LES DATES MARQUANTES DE LA MUSIQUE CONTEMPORAINE :

1946 Création des Rencontres de Darmstadt (et des ses cours d'Été)
1947 "Schoenberg et son école" de René Leibowitz (livre-bilan du Dodécaphonisme et tremplin philosophique vers le futur)
1948 "Deuxième sonate" pour piano de Pierre Boulez : icône de la nouvelle musique (athématique, atonale, sans variation, ni articulation, ni développement, ni polyphonie directe)
Premières réalisations «concrètes» par Pierre Schaeffer à Paris, dans le Studio d'Essai de la Radio RTF (concrètes, car issues de matériaux sonores pré-existants, opposées à abstraites, comme la musique pensée, imaginée, écrite, et générée par des instruments) : cinq Études de bruits ("Étude aux chemins de fer", "Étude aux tourniquets", "Étude violette", "Étude noire", "Étude pathétique"), le "Diapason Concertino", les "Variations sur une flûte mexicaine", la "Suite pour 14 instruments" et "l'Oiseau RAI" (1949), avec parfois des traitements de sons instrumentaux
"Sonates et Interludes" de John Cage, pour piano préparé (déjà dans "Duo" en 1942 pour voix et piano préparé, et "Amores" en 1943, constituée de 2 pièces pour trio de percussions et de 2 pièces pour piano préparé, mais sans exécution notoire) 
"Mode de valeurs et d'intensité", manifeste modal d'Olivier Messiaen, prélude au sérialisme (intégral)
1949 "Philosophie der neue Musik" de Theodore Adorno : livre-fondement de la Musique Contemporaine (en Français, chez Gallimard, 1962)
1950 "Symphonie pour un Homme seul", première «oeuvre concrète» co-composée par Pierre Schaeffer et Pierre Henry
Premières conceptuelles de Musique électronique (Eimert, Cologne) et Music for Tape (Luening & Ussachevsky, Columbia, New York)
Renaissance du Festival de Donaueschingen de création musicale (cessation à la guerre, après une période faste, stimulée par Paul Hindemith : création en 1921, et transfert en 1926 à Baden Baden, puis en 1930, à Berlin)
1951 "Polyphonie X" et "Structures" (pour 2 pianos, 1er livre) de Pierre Boulez, premières oeuvres (emblématiques et  abstraites) du sérialisme intégral radical (encore appelé pointilliste)
"Music of Changes" pour piano (non préparé), de John Cage : première œuvre comportant de l'aléatoire dans son exécution (indéterminisme musical, avant l'œuvre ouverte), sauf si l'on tient compte des premières études-compositions ouvertes (1950-1951) de Morton Feldman
1952 "4mn33" de John Cage (il s'agit d'une œuvre radicale de 4 minutes et 33 secondes de silence, qui peut aller jusqu'à la provocation dans «0'0"» de 1962, où l'interprète peut seulement avaler par gorgées un verre d'eau devant un micro cravate), mais l'impact de ce nihilisme (ou de cet indéterminisme ultime) fut moindre en Europe (qui avait connu le Mouvement Dada et le Surréalisme en peinture avant Guerre)
"Intersection I", de Morton Feldman et "December 52" de Earle Brown, premières partitions graphiques
Première rencontre de Boulez et Stockhausen à Paris : ce dernier compose "Kontra-Punkte", pour ensemble, la pièce la moins inaccessible du sérialisme radical
1954 Création du Domaine Musical, séries de concerts à Paris consacrés à la Musique actuelle (et à la seconde École de Vienne), dirigé par Pierre Boulez (puis par Gilbert Amy, jusqu'à sa discontinuation en 1974)
"Déserts" de Varèse : la création est un chahut total, c'est la première œuvre associant l'orchestre avec des séquences d'éléments électroniques (ainsi définie comme électroacoustique)
"Studie I" et "Studie II" de Karlheinz Stockhausen : premières réalisations musicales «électroniques» à la Radio WDR de Cologne : ces oeuvres de quelques minutes représentent un travail gigantesque à l'époque : à partir de sons purs sinusoïdaux produits par oscilloscope et enregistrés séparément sur bande magnétique, les morceaux de bandes (sons individuels) sont découpés-collés dans un ordre de composition (lesquels collages peuvent aussi être enregistrés sur bande et découpés-collés à nouveau) pour créer une bande qui se déroule très rapidement (73 cm par seconde) faite de morceaux physiques mesurant quelquefois 1 cm (les sons résultant durent moins d'un 20ème de seconde, soit le seuil d'estompage)
"Metastaseis" de Iannis Xenakis : première utilisation des clusters à l'orchestre avec effet de masse (style dit «massique»)
1956 "Sonate n°3" de Pierre Boulez et "Klavierstück XI" de Karlheinz Stockhausen : premières œuvres ouvertes dans le sillage de l'indétermination de John Cage
"Gesang der Jünglinge" de Karlheinz Stockhausen : première œuvre combinant à la fois les sons concrets et électroniques
1957 "Illiac Suite" de Lejaren Hiller et Leonard M. Isaacson : première «composition» automatique à partir d'un programme d'ordinateur, pour quatuor à cordes 
1958 "Gruppen" de Karlheinz Stockhausen : nouvelle spatialisation de l'orchestre (en fer à cheval, après un premier essai pour le matériel sonore dans l'œuvre électronique  "Gesang der Jünglingen" en 1956)
Création du GRM, Groupe de Recherche Musicale, à Paris, anciennement GRMC qui s'institutionnalise (absorbé par l'INA, en 1975
1959 "Apparitions" de György Ligeti : premier exemple de Musique micro-polyphonique
"Quatro Pezzi su una nota sola" de Scelsi : œuvre emblème des quarts de ton généralisés et du son continu, sculpté de l'intérieur, prélude à la Musique Spectrale
"Sur Scène" de Mauricio Kagel : première manifestation de théâtre instrumental, qui est la théâtralisation du geste inhérent à la pratique instrumentale (les instrumentistes jouent des situations théâtrales, en plus de leur instrument)
Luigi Nono s'engage dans une polémique contre le collage, décrit comme un anarchisme régressif, à Darmstadt : qualifié de colonialisme musical, il compare les matériaux sonores utilisés aux pierres exotiques insérées dans les murs de la basilique San Marco à Venise, trophées dérobés à d'autres cultures ancestrales
1960 "Compositions #2 et #5" de La Monte Young : exploration de la «non-sense composition» (respectivement, crépitement d'un feu, lâcher de papillons, par les musiciens), dérivées du happening ou de la provocation à la John Cage
1961 Création d'un ensemble spécifique d'instruments de la Musique Contemporaine : les Percussions de Strasbourg
1964 "The Well-tuned Piano" de La Monte Young : premier exemple de Musique Minimaliste, par ses sons rares, prolongés (une œuvre fétiche, augmentée tout au long de la vie du compositeur, qui peut durer 5 heures, à la limite de l'improvisation) 
"In C" de Terry Riley : premier succès de la Musique Minimaliste, ou plus exactement de Musique répétitive, dérivée du concept minimaliste de Young
Premiers synthétiseurs analogiques (Moog, Buchla, Ketoff), avec imitation d'instruments et réalisation de paradoxes par synthèse (Bell Labs)
1965 "Die Soldaten" de Bernd Alois Zimmermann : l'opéra total (avec plusieurs actions simultanées, images, films, etc.)
1966 "Terretektohr" de Iannis Xenakis, première œuvre à être spatialisée dans la salle de concert, les 88 musiciens étant répartis parmi les auditeurs
1967 Découverte, par John Chowning, du principe de la synthèse par modulation de fréquence (première étape vers le synthétiseur numérique DX7 de Yamaha, en 1983)
1969 "Mutations I" de Jean-Claude Risset : première œuvre importante entièrement synthétisée par un ordinateur 
"Credo" de Radulescu : première œuvre développant une scordatura qui permet des intervalles de distances inégales (de plus en plus étroits vers l'aigu), inaugurant une technique spectrale (voisine, mais distincte du Spectralisme)  
Premier contact du Grand Public avec la Musique Contemporaine : le film de Stanley Kubrick «2001:  Odyssée de l'Espace» avec sa bande son qui reprend des extraits d'œuvres phares de Ligeti… "Requiem" (1961 : le Kyrie), "Lux Aeterna" (1965 : le Trip psychédélique), "Atmospheres" (1966) et "Aventures" ; Kubrick recommencera dans «Shining»  avec "Lontano" et le superbe «Eyes Wide Shut», son dernier film, avec "Musica Ricercata". 
Conception par Max Matthews de Music V, premier programme de synthèse d'une grande variété de sons
1970 Conceptualisation officielle de l'IRCAM (Institut de Recherche et de Création Acoustique/Musique) par Pierre Boulez, à l'instigation de Georges et Claude Pompidou (inauguration officielle en 1977)
1972 "Clapping Music" de Steve Reich, dérive de la Musique Minimaliste où 2 musiciens percussionnistes battent des mains
1973 Fondation de l'Ensemble L'Itinéraire pour la Musique Spectrale, par Gérard Grisey, TRistan Murail, Michaël Levinas (en opposition, d'abord, au post-sériels, puis après les années 90, en les intégrant)
1974 Premiers synthétiseurs numériques (Synclavier, Appleton & Alonso, Dartmouth)
1975 "Partiels" de Gérard Grisey : point de départ de la Musique Spectrale
1976 Création de l'Ensemble Inter-contemporain (EIC), par Pierre Boulez
1978 Synthétiseurs informatiques 4A, 4B, 4C, 4X (Di Giugno, IRCAM ; Alles, Bell Labs)
1979 Publication du livre «La Condition Post-Moderne» de Jean-François Lyotard qui met un nom sur le style d'une nouvelle Musique, opposée à l'Avant-garde, qui renoue fortement avec la tonalité, recherche une émotion simple et immédiate et s'est déclinée avec la Musique répétitive, néo-romantique, néo-tonale et avec la Nouvelle Simplicité
1981 "Repons" de Pierre Boulez, œuvre phare pour ensemble et ordinateur 4X, en temps réel
"Zur neuen Einfachheit" [vers une nouvelle simplicité], manifeste de Manfred Trojan et Wolfgang Rihm (lequel s'en est écarté ensuite), pour une musique plus accessible, non sérielle et tonale
1983 Finalisation du format MIDI (standardisation des échanges de données informatiques pour la composition musicale
1985 David Wessel développe en pionnier, au sein de l'IRCAM, des logiciels musicaux pour micro-ordinateurs (et d'autres suivent ailleurs) : Formes, Pla, Patchwork, Mosaic, Common Music
1988 Tod Machover initie les Hyperinstruments (modification électronique des instruments traditionnels, sorte de scordatura moderne)
1989 Généralisation des impressions de partitions par ordinateur chez Schott et Schirmer
Morphoscope, conçu et réalisé par Marcel Mesnage, logiciel de simulation compositionnelle, comme démarche d'analyse assistée par ordinateur
Réalisation de la Station d'Informatique Musicale dans le cadre de l'Ircam, basée sur l'ordinateur Next (qui remplace la 4X)
1991 "Explosante-fixe", dans sa version finale, utilise une nouvelle fonction musicale : pour la première fois un «score-follower» ou suiveur de partition, informaticien-musicien, déclenche les évènements électroniques, en fonction de signaux précis émis par l'instrumentiste
1994 Premières mises à dispositions en Freeware, sur Internet, de ressources sonores
1999 Disparition de Paul Sacher, promoteur et mécène éminent de la Musique Contemporaine : né le 28 Avril 1906, il se marie avec Maja Hoffmann-Stehlin, la veuve d'Emanuel Hoffmann, le fils de l'industriel Bâlois Fritz Hoffmann-La Roche, propriétaire du groupe pharmaceutique aujourd'hui connu sous le nom de Roche, ce qui en faisait l'un des hommes les plus riches d'Europe, soit US$ 14.3 Milliards en 1997, peu après son dernier mandat comme administrateur de Roche ; il a dépensé FS 11 Millions pour acheter le Fonds Stravinsky et Boulez lui léguera la totalité de ses écrits ; depuis 1934, il a financé, commandité et souvent dirigé comme chef d'orchestre des créations de plus de 200 oeuvres comme celles de Belà Bartók (Divertimento, Musique pour Cordes, Percussion et Célesta), Arthur Honegger (2ème Symphonie), Bohuslav Martinù (Toccata), Igor Stravinsky (Concerto en ré), Paul Hindemith, Hans Werner Henze (Capricio), Elliott Carter, Klaus Huber, Benjamin Britten, Harrison Birtwistle, Luciano Berio (Les Mots), Henri Dutilleux (Strophes), Pierre Boulez (Messagesquisse), etc. 

 



Actualisation : 13 Novembre 2016

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